the post-market mindset

a conversation with abc's marc glöde

english

In a post-Art Forum Berlin, the gaze of the city's art world finds itself inevitably focused on Art Berlin Contemporary, the hybrid exhibit/fair that has inadvertently defaulted as the front Berlin art event this year. And although some would argue the pressure from the outside for ABC to perform has grown greater—politics aside, this year's will be the largest installment of the event since its conception four years ago—curator Marc Glöde is of a different mindset. The focus for him and co-curator Rita Kersting is on the over 130 galleries that are to be exhibited in an effort equivalent to that of a grand-scale museum, for only five days.

Here, berlin art journal's Alonso Dominguez talks to Glöde about the accelerated logistics of ABC's exponential growth, the periodic death and resurrection of painting and the possibility of hitting the proverbial reset button on the Berlin art scene.

Alonso Dominguez: Let’s talk about the theme, “about painting.” Where does it come from? It seems for me that there is this idea of painting as the basis of art, and this idea of revisiting it has a certain resonance in restarting the Berlin art scene. What’s your take on it?

Marc Glöde: One of the most frequent things coming up in terms of thinking about painting in its relation or position in the arts is that it has died as many times as it has been resurrected. I find it interesting that it has this sort of on/off mode in terms of a relevance of painting. On the one side that often has a lot to do with questions concerning economic marketing. On the other side – and that is really important to me – this regular mode of calling painting into question points out how certain dynamics in the arts have changed over the last 10 or 20 years. One can say that other art forms, like of course film, photography, installation, have been getting stronger and with that more equal. It is true: there’s still this idea of the art of the arts, but I think a certain new equality has been created in terms of how artists address this question. And what I find remarkable is that especially young artists are dynamic and let us see they can really focus on some questions in a variety of art forms. For example, starting with photography and then switching to painting or to drawing or to filmmaking without the need to create a hierarchy or having any kind of degradation between the forms. That is a kind of equality that exists at the moment, and that is where the idea came from, to think about painting at this very moment and not to say the show is called Painting but about painting. For Rita Kersting and me it’s especially about the impact other media has had over the last years on painting, and how painting influenced other media. When you go into the exhibition, one of the first works you will see will be by Rineke Dijkstra, and in this film you see a little girl sitting in a white space. You can’t see at the very beginning where she’s sitting, and only later (by reading the title of the work “Ruth Drawing Picasso”) you understand that she’s actually trying to draw a Picasso. Dijkstra is using this medium as a sort of way of asking: “What is painting?” “How are we relating our self to painting?” “How are other media relating to it?” “How can we create new ways of thinking about forms?”

Die Tage des Art Forum Berlin sind gezählt. Kein Wunder also, dass inzwischen alle Aufmerksamkeit der hiesigen Kunstszene auf die Art Berlin Contemporary gerichtet ist. Ohne es darauf angelegt zu haben, ist die Ausstellungs- und Messeveranstaltung dieses Jahr zur wichtigsten Großveranstaltung des Berliner Kunstjahrs aufgestiegen. Zwar ist manch einer nun überzeugt, die Erwartungen an das Event seien damit ungleich größer. Aber Kurator Marc Glöde sieht die Sache trotzdem gelassen – und das nicht nur, weil es sich bei der diesjährigen Ausgabe der ABC um die bisher größte ihrer Art seit der Gründung vor vier Jahren handelt. Glöde und Co-Kuratorin Rita Kersting haben sich ganz darauf konzentriert, das Thema About Painting mit über 130 teilnehmenden Galerien in einem Rahmen zu präsentieren, dessen Umfang großen Museen in nichts nachsteht – und das trotz des kurzen Veranstaltungszeitraums von nur fünf Tagen.

Alonso Dominguez vom Berlin Art Journal sprach mit Glöde über die logistischen Anforderungen, die mit ABCs rasantem Wachstum einhergehen, über das Medium Malerei, das in schöner Regelmäßigkeit totgesagt wird und wiederaufersteht, und über die Möglichkeit, mit einem hybriden Ausstellungskonzept ein wenig frischen Wind in die Berliner Kunstszene zu bringen.

Alonso Dominguez: Lassen Sie uns über "about painting" sprechen, das diesjährige Thema der Art Berlin Contemporary. Was hat es damit auf sich? Es gibt ja die Vorstellung, Malerei sei die grundlegendste Kunstform schlechthin. Schwingt in der Idee, sich wieder der Malerei zuzuwenden, der Wunsch mit, in der Berliner Kunstszene einen Neustart zu wagen?

Marc Glöde: Eine der Ansichten, denen man im Hinblick auf den Stellenwert der Malerei innerhalb der Künste immer wieder begegnet, ist die, dass sie genauso oft totgesagt worden wie wiederauferstanden ist. Ich finde diesen "On/Off-Modus" im Hinblick auf eine Relevanz der Malerei ganz interessant. Das hat auf der einen Seite oftmals viel mit Fragen ökonomischer Vermarktung zu tun Auf der anderen Seite aber – und das finde ich wichtig – zeigt sich in diesem regelmäßigen infrage stellen der Malerei, wie sich die Dynamiken in der Kunst in den letzten 10 bis 20 Jahren verändert haben. Man kann durchaus sagen dass Kunstformen wie Film, Fotografie oder Installation an Geltung gewonnen haben und somit auch eine größere Gleichberechtigung erfahren. Sicherlich: es gibt diese Vorstellung von Malerei als der Kunstform schlechthin. Wenn man aber schaut, wie Künstler sich mit dieser Vorstellung auseinandersetzen, scheint sich tatsächlich sowas wie ein paritätisches Verhältnis eingestellt zu haben. Was ich dabei oft bemerkenswert finde ist, dass gerade die jungen Künstlerinnen und Künstler sehr dynamisch agieren und uns zeigen, dass sie sich bestimmten Fragestellungen in verschiedenen Medien widmen können. Sie beginnen beispielsweise mit der Fotografie und wenden sich anschließend der Malerei, dem Zeichnen oder dem Filmemachen zu, ohne zwischen diesen Formen hierachisieren zu müssen oder leistungsmäßig irgendwie abzuflachen.

AD: Around the 80s and 90s, with the rise of conceptual art of, there seemed to be resentment towards painting. There was this idea of abandoning the medium and creating new mediums. You come from a different background, film, which is not necessarily related to painting. What is your relationship with painting?

MG: Personally, it was always very interesting for me. I’m coming from a film background but with a lot of questions on how colour works spatially. This is a topic that can’t be limited to a specific art form. For instance, someone that I worship a lot, like Per Kirkeby, has a painting background but has been working specifically concerning this topic with Lars von Trier in film. So you see how this actually creates a continuous flow between the media. That was why I was so happy when it [the theme] became about painting. When you see what the new dynamics are, you understand why it’s important at this very moment to address this question of an expanding discourse about painting. Specifically in Berlin, a place where you have more and more artists living who have a very, very dynamic and powerful discussion of how to deal with different mediums and different forms, it’s very progressive. This discussion has developed here in Berlin, so to me it’s just a natural consequence to relate this discourse to an exhibition on the spot where art is actually produced.

AD: But what is the position of painting in the economy, then? It seems that in the Western economy, there is a need for physicality—we’re returning to buying objects which we can hold and count. Is the painting theme a strategy, in terms of the economical aspect of ABC, or is it something truly of-the-moment, this proposed “resurrection” of painting?

MG: Well, as I said for us it is specifically not about a continuation of this “resurrection” mode. It is about opening up the discussion. And concerning the question of the economy: personally I am not that interested in strategic economic developments. For me it is more about the development of content. Of course the economic aspect clearly always plays a role. I mean, you have to acknowledge that we are all part of a system and that when you are living in capitalist structures stepping out of these is not unproblematic. But here I would recommend a change of perspective and see how artists deal with these questions – something that will also be seen in the exhibition. I am interested in how artists acknowledge this dynamic of economy with a certain kind of critique. For me personally in this context the work from John Armleder is quite important in this exhibition. In his “Furniture Paintings” Armleder creates paintings and positions, for example an Arne Jacobsen egg chairs right in front of these. You could say he confronts us with this kind of consumerism attitude (“I need something I can put over my red sofa.”), is asking us to be aware of it and relate to it. I think it’s exactly about the balance, finding the right balance of criticality and an economy that is necessary.

AD: Right, walking the line between exhibition and fair.

MG: Exactly. You know, that is one of the things that interests me as well, having this momentum from different galleries representing artists and showing something here, but turning it into an exhibition context. The content is actually more important at that point.

AD: I agree. Content should be king. That said, do you feel pressure from the market to become sort of the economic representative of the Berlin contemporary art scene now that Art Forum is gone? How do you deal with that?

MG: Of course there is always a certain pressure. As soon as you are positioning yourself in the public field there is pressure. But I don’t see this as a negative thing. Things get in motion and that is very good. It is a sign of a vital discussion. Art forum is not existing anymore, new forms come to life. And the general development of ABC is quite remarkable: we had 75 galleries last year and now have 120.

AD: Was that planned?

MG: It was planned to get bigger, but there was also more and more interest from national and international galleries to participate. At a certain point we had to make limitations and cut off. We have to make sure the positions fit in. This is really interesting and inspiring. We want to find new forms between fairs and exhibitions, how they exchange under the development of a generally difficult economy. Of course we’re all aware that the economy worldwide is not very good at this moment. But is exactly because of that we have look out for new forms and ways, not just in the art world.

Das ist so eine Art von Gleichwertigkeit, die man im Moment beobachten kann. Daher kam dann auch die Idee, zu diesem Zeitpunkt den Schwerpunkt auf das Nachdenken über Malerei zu legen und statt einer Ausstellung mit dem Titel Painting eine mit dem Titel about painting zu machen. Es geht Rita Kersting und mir besonders um den Einfluss, den andere künstlerische Medien in den letzten Jahren auf die Malerei gehabt haben und wie sich Malerei im Umkehrschluss auf andere Medien ausgewirkt hat. Deswegen ist eine der ersten Arbeiten, die man in der Ausstellung zu sehen bekommt, ein Film von Rineke Dijkstra, in dem ein kleines Mädchen zu sehen ist, das in einem weißen Raum sitzt. Man weiß nicht, wo sie sich da eigentlich befindet. Erst aus dem Titel "Ruth Drawing Picasso" erschliesst sich, dass sie versucht einen Picasso zu zeichnen. Dijkstra fragt mit dieser Arbeit gewissermaßen: "Was ist Malerei?", “Wie setzen wir uns zu Malerei in Bezug?”, "In welchem Verhältnis stehen andere Medien zu ihr?", "Wie lassen sich neue Wege finden, über Formen nachzudenken?".

AD: Mit dem Erstarken der Konzeptkunst in den achtziger und neunziger Jahren standen viele Leute der Malerei ablehnend gegenüber. Man wollte das Medium hinter sich lassen und neue Ausdrucksformen für sich entdecken. Sie kommen ja eigentlich vom Film, einer Kunstform also, die nicht unbedingt allzu viel mit Malerei zu tun hat. Was verbinden Sie mit Malerei?

MG: Für mich war Malerei immer von großem Interesse. Ich komme zwar vom Film, interessiere mich aber beispielsweise sehr dafür, wie Farben räumlich wirken. Ein völlig medienübergreifendes Thema. Per Kirkeby zum Beispiel, den ich sehr schätze, kommt von der Malerei, hat aber gerade in Bezug auf diese Fragestellung mit Lars von Trier im Film zusammengearbeitet. Das heißt, hier findet ein kontinuierlicher Austausch zwischen den Medien statt. Deswegen hat es mich gefreut, das about painting zum Thema der Ausstellung wurde. Und wenn man sich die neuen Kraftverhältnisse anschaut, versteht man, warum es wichtig ist, gerade jetzt diese Frage nach den erweiterten Diskursen um die Malerei zu stellen. Insbesondere wahrscheinlich in Berlin, wo es mehr und mehr Künstler gibt, die an einer sehr dynamischen und weitreichenden Diskussion beteiligt sind, wie mit unterschiedlichen Medien und Formen umzugehen ist. Diese Diskussion ist sehr progressiv und hat sich hier wesentlich entwickelt. Es ist für meine Begriffe also eine logische Konsequenz, diese Frage in Berlin zu stellen und den Diskurs in eine Ausstellung einzubinden, an einem Ort, an dem Kunst auch produziert wird.

AD: Welchen Stellenwert hat Malerei ökonomisch gesehen? In den westlichen Volkswirtschaften scheint es dieses Bedürfnis nach "Materialität" zu geben. Die Leute wollen wieder Dinge kaufen, die anfassbar sind, die man zählen kann. Ist das diesjährige Thema vielleicht eine Strategie im Hinblick auf den ökonomischen Aspekt der ABC, oder geht es nur um etwas ganz momentspezifisches – die "Wiederauferstehung" der Malerei, von der wir gesprochen haben?

MG: Nun, es geht uns wie gesagt gerade nicht um eine Weiterführung der regelmäßigen “Wiederauferstehung”, sondern doch eher um eine neue Öffnung der Diskussion. Und was die Frage nach der Ökonomie angeht: ich persönlich bin an einer strategischen Entwicklung nicht sonderlich interessiert. Mich beschäftigen die inhaltlichen Aspekte. Natürlich spielt die Ökonomie immer eine Rolle. Ich meine, man muss doch anerkennen, dass man Teil dieses Systems ist und das es in kapitalistischen Strukturen lebend nicht unproblematisch ist aus diesem System herauszutreten. Ich würde hier aber die Blickrichtung ändern und die Frage in bezug auf die künstlerischen Beschäftigung mit dem Thema entwickeln, die sich ja auch in der Ausstellung wiederspiegelt. Mich interessiert wie Künstler der ökonomischen Dynamik mit einer gewissen Form der Kritik begegnen. Hier ist im Rahmen dieser Ausstellung für mich persönlich beispielsweise die Arbeit von John Armleder sehr wichtig. Armleder stellt in seinen Furniture Paintings Gemälde her und platziert z.B. einen Egg Chair von Arne Jacobsen davor. Man könnte also sagen er kommentiert eine bestimmte Konsumhaltung (Haben sie noch etwas passend zu meinem roten Sofa?), fordert auf sich diese bewusst zu machen und mit ihr umzugehen. Ich denke, es geht darum, ein Gleichgewicht zwischen kritischem und ökonomischem Bewusstsein zu finden.

AD: Und damit den schmalen Grat zwischen Ausstellung und Messe zu beschreiten.

AD: I understand content is at the foreground of the ABC dynamic, but where is ABC heading? Does it want to be an exhibition exercise with a slight economic side-effect, or will it become an economic motor for the art scene in Berlin? What is the plan?

MG: I would say it’s about uniting these aspects, to offer something that has a content impact so people really see there is something to think about.

AD: It’s a very "Berlin" position to take on a fair. What is the tilt in terms of international versus local?

MG: I think it’s 50/50 at the moment. We’re on about 60 Berlin galleries and perhaps a little more on the international side.

AD: But the effort was always to be more local, to represent the Berlin scene in a way, right?

MG: Well, it was always the goal of ABC to combine these two things. This means that we want to show international positions and at the same time give the chance to see positions that represent Berlin. That’s it. It started from Berlin, but was spreading out quite soon after ABC came into existence. So it was always reaching out to bring people here and to include them in the discussions that are going on in Berlin.

AD: What about visitors, what is your expectation in terms of that?

MG: Well, with the fact that the Art Forum isn’t there anymore this is a new unknown factor. Nevertheless we have high expectations of people visiting and have a good feeling about things. It’s a very beautiful location, the space is amazing, the architecture is great. We were working this year for the first time with an architect, who’s done a fantastic job, building a single band that goes through the whole architecture and creates a lot of beautiful spaces. We have a wall-height of four metres—museum wall-height. I’m really looking forward to it, and if you think about it, it’s almost a pity that it’s just for five days [laughs]. It’s true! You bring together exhibitions that hardly any museums are able to bring together: 130 artist positions in one place. And, especially in a city where because of a lack of money the budgets spent for culture are getting lower and lower, it’s an important factor, something that gives new strength to the cultural city of Berlin, positioning itself internationally in the art field.

AD: To that: what’s your favourite?

MG: [laughs] I can’t really say “this is the one thing,” but I’m really happy that we managed to combine young and older established artists. Confronting someone like Georg Karl Pfahler, Andre Thomkins or Julije Knifer, with very young artists, like Abbas Akhavan, Lin May or Katinka Bock and see how this works, how these things are bending towards each other. When the work confronts the other works that are on the opposite side of them, it opens questions, new ideas, and it starts to become a conversation instead of, now is the hype of figuration, now it’s a new hype of abstract, about the material, about all these classical questions and again and again and again.

AD: As you know, this is the first issue for the Berlin Art Journal, and as such, we’re trying to investigate a bit what the status quo of the Berlin art scene is. In your opinion, what is the position of Berlin in the art world at the moment? I mean, it’s overhyped by the media and underwhelmingly supported by the market most of the time. Do you see the Berlin art scene at a standstill at the moment?

MG: Well, I’ve lived here for 20 years, and there was and is always this wave of intensity. A lot of things have changed radically. Some very lively spaces disappeared, new forms like ABC came to life. I guess from a Berlin perspective thing get more realistic, not so much in a hype mode. Nevertheless I wouldn’t speak of a standstill. Internationally, it’s always this mythical place where people want to be. People work really hard, and they’re really interesting, and I think that is something in the art world that is very much acknowledged. There are so many artists, gallerists and curators that live here and constantly work on a very high level: questioning forms, the form of painting, the form of film, the form of photography, but also the form of curating, the form of the gallery, the form of institutional art presentations. That is something that is very acknowledged internationally. From New York, to LA, Buenos Aires, Tokyo, Moscow, people see that it has an impact on the artworks themselves, and that has a resonance. To trace back to one of the most famous quotes in terms of a title for a show, go back to Harald Szeeman, When Attitudes Become Form; that is exactly what I think about when I think about Berlin. When you have a certain attitude, there’s a certain mindset, in the way you relate to the world, how you reflect the world and the economy, how you relate life in the art world to the rest of your life. All these attitudes find their way into a certain form, and people can see you’re in Berlin, I think, very much. —Alonso Dominguez

[Images: Marc Glöde, photographed at ABC's 2011 venue before installation, by Maxime Ballesteros]

MG: Durchaus richtig. Das interessiert mich: Dieser Moment, dass Galerien, die Künstler vertreten, hier etwas zeigen und eine Ausstellungssituation zustande kommt. Inhalte sind also erst mal wichtiger.

AD: Das stimmt, Inhalte sollten im Vordergrund stehen. Aber spüren Sie vielleicht trotzdem einen gewissen Druck seitens des Kunstmarkts, als das ökonomische Aushängeschild für die zeitgenössische Berliner Kunstszene zu fungieren, jetzt, da es das Art Forum nicht mehr gibt? Wie gehen Sie damit um?

MG: Man verspürt doch immer einen gewissen Druck. Sobald man sich in den öffentlichen Raum begibt und sich positioniert entsteht Druck. Das empfinde ich gar nicht als so negativ. Sachen geraten in Bewegung und das ist gut. Es ist doch eigentlich ein Zeichen für für eine rege Auseinandersetzung. Das Art Forum existiert nicht mehr, neu Formen entstehen. Und die Entwicklung ist doch bemerkenswert: nach zuletzt 75 Galerien sind in diesem Jahr inzwischen über ca. 120 Galerien vertreten.

AD: War das geplant?

MG: Es war geplant, dass die abc sich vergrößert. Das Teilnahmeinteresse seitens nationaler und internationaler Galerien ist gestiegen. Irgendwann mussten wir allerdings einen Schnitt machen. Auch um sicherzustellen, dass die künstlerischen Positionen ins Konzept passen. Aber es ist sehr inspirierend. Wir wollen neuen Präsentationsformen finden, die zwischen Messe- und Ausstellungskonzepten angesiedelt sind, und sehen, wie sie sich vielleicht gerade in wirtschaftlich schwierigen Zeiten gegenseitig befruchten können. Uns allen ist doch bewusst, dass es weltweit zur Zeit wirtschaftlich nicht so rosig aussieht, und deshalb muss es gelten nach neuen Formen und Wegen zu suchen, nicht nur innerhalb der Kunstwelt.

AD: Es leuchtet ein, dass Inhalte bei der Art Berlin Contemporary im Vordergrund stehen. Aber wo soll es eigentlich hingehen? Will die ABC eine Ausstellungsveranstaltung mit kleinem wirtschaftlichen Nebeneffekt sein, oder will sie zu einem wirtschaftlichen Motor für die Berliner Kunstszene werden? Was ist der Plan?

MG: Es geht darum, beide Aspekt zusammenzubringen und etwas anzubieten, das inhaltliche Wirkung zeigt und die Leute zum Nachdenken bringt.

AD: Diese Haltung ist ziemlich "berlinerisch", vor allen Dingen im Hinblick auf eine Messe. Wie ist denn das Verhältnis zwischen internationalen und heimischen Ausstellern?

MG: Das Verhältnis liegt bei etwa 50:50. Mit dabei sind ungefähr 60 Berliner und ein paar mehr internationale Galerien.

AD: Aber es gab immer auch den Versuch, sich stärker regional auszurichten und die Berliner Kunstszene zu repräsentieren, oder?

MG: Ich denke es war immer der Anspruch der abc beides zu verbinden, d.h. man möchte internationale Positionen zeigen und gleichzeitig den Berliner Standort adäquat präsentieren. Darum geht’s. Begonnen hat es zwar in Berlin, aber ziemlich schnell, nachdem die Art Contemporary Berlin gegründet worden war, hat sich das ausgeweitet. Es gab also immer auch den Versuch, die Reichweite zu vergrößern, Leute hierher zu bringen und in die Diskussionen einzubeziehen, die hier in Berlin geführt werden.

AD: Gibt es Erwartungen im Hinblick auf die Besucher?

MG: Nun das ist mit dem Wegfall des Art Forums natürlich eine gewisse Unbekannte. Aber wir haben große Erwartungen an die Besucherzahlen und sind ganz gutter Dinge. Die Location ist herrlich, die Ausstellungsräume sind großartig, die Architektur erst recht. Wir haben dieses Jahr erstmalig mit einem Architekten zusammengearbeitet, der fantastische Arbeit geleistet und wunderschöne Raumsituationen geschaffen hat. Die Deckenhöhe beträgt vier Meter, wie in einem Museum. Ich freue mich sehr auf das alles. Es ist eigentlich fast schade, dass wir nur fünf Tage ausstellen [lacht]. Tatsächlich! Schließlich bringen wir Ausstellungen zusammen, die kaum ein Museum zusammenzubringen imstande wäre: 130 Positionen an einem einzigen Ort. Und in einer Stadt, in der aufgrund leerer Kassen wenig Geld für Kultur ausgegeben werden kann, hat das ja eine gewisse Tragweite und gibt einer Kulturstadt neue Kraft, sich international in der Kunstwelt zu positionieren.

AD: Und wer sind Ihre Favoriten?

MG: [lacht] Ich könnte jetzt nicht von der einen großen Arbeit sprechen, aber ich bin besonders glücklich, dass wir es geschafft haben sowohl junge als auch etablierte Küstler zusammenzubringen. Künstler wie Georg Karl Pfahler, Andre Thomkins oder Julije Knifer mit Künstlern wie Abbas Akhavan, Lin May oder Katinka Bock zusammenzubringen und zu sehen, was da neues und spannendes passiert. Wenn sich Arbeiten räumlich und damit auch inhaltlich gegenüberstehen, provoziert das neue Fragen, Vorstellungen und Ideen. Es entwickelt sich so etwas wie ein Gespräch. Anstatt einfach nur zu behaupten, dass jetzt die Figuration wieder total im Kommen sei oder die Abstraktion und dann all die Diskussionen über das künstlerische Material und all die anderen klassischen Fragestellungen...

AD: Wie Sie wissen, ist dies ja die erste Ausgabe des Berlin Art Journal. Wir wollen versuchen, ein wenig nachzuforschen, was eigentlich der Status Quo der Berliner Kunstszene ist. Was denken Sie? Was ist derzeit der Stellenwert Berlins innerhalb der Kunstwelt? Mal ganz abgesehen davon, dass Berlin von den Medien, nicht aber vom Markt maßlos gehypt wird: Ist in der Berliner Kunstszene derzeit ein gewisser Stillstand zu verzeichnen?

MG: Naja, ich lebe inzwischen seit 20 Jahren hier, und Berlin war und ist immer ein extrem intensiver Ort. Viele Dinge haben sich sehr stark verändert. Einige lebendige Orte sind verschwunden, dafür sind neue Formen wie die abc sind entstanden. Man sieht die Dinge aus Berliner Perspektive vielleicht realistischer und gar nicht so im Hype. Trotzdem würde ich von Stillstand nicht reden. Für die Leute außerhalb der Stadt ist es ein Ort mit einem gewissen Nimbus; alle wollen hierher. Viele spannende Leute arbeiten hier sehr hart, und ich glaube, dass das in der Kunstwelt anerkannt wird. Es gibt zahllose Künstler, Galeristen und Kuratoren hier, die auf konstant sehr hohem Niveau arbeiten und die Formen von Malerei, Film und Fotografie hinterfragen. Aber auch Formen des Kuratierens und des Ausstellens in Galerien, überhaupt die Frage nach der Repräsentation von Kunst in institutionellen Zusammenhängen sind verstärkt im Blickfeld. Sowas wird international stark wahrgenommen, in New York genauso wie in L.A., Buenos Aires, Tokio und Moskau. Die Leuten sehen, dass sich das auf die Kunst selbst auswirkt, und das löst etwas aus. Wenn ich über Berlin nachdenke, dann muss ich immer an einen der wahrscheinlich berühmtesten Ausstellungstitel denken: When Attitudes Become Form, von Harald Szeeman. Wenn man eine gewisse attitude, eine gewisse Haltung hat, dann hat man eine bestimmte Art zu denken und setzt sich dementsprechend auf eine bestimmte Weise ins Verhältnis zur Welt und auch zu ökonomischen Zusammenhängen, und man verbindet auf eine ganz bestimmte Weise sein in der Kunstwelt verankertes Leben mit dem Rest seines Lebens. All diese Haltungen schlagen sich in einer bestimmten Form nieder, und die Leute können es sehen, da bin ich mir sehr sicher, dass man in Berlin ist. —Alonso Dominguez

[Bilder: Marc Glöde, fotografiert in den Räumlichkeiten des ABC 2011 vor dem Aufbau, von Maxime Ballesteros]